Silence y la mirada de Rodrigo Prieto

Es la tercera ocasión en que el director de fotografía Rodrigo Prieto y el renombrado Martin Scorsece trabajan juntos. La primera vez lo hicieron en The Wolf of Wall Street (2013) y la segunda en el piloto de la serie de televisión Vinyl (2016). 

En esta ocasión, ambos se reunieron para dar llevar a la pantalla grande Silence, la adaptación de la novela homónima de Shusaku Endo.

El filme sigue la travesía de dos sacerdotes portugueses, el padre Rodríguez (Andrew Garfield) y el padre Garrpe (Adam Driver) quienes se embarcan hasta Japón en busca de su mentor, el sacerdote Ferrira (Liam Neeson), quien vive en la clandestinidad debido a la prohibición que pesa sobre el catolicismo.

Durante una entrevista concedida para la revista American Cinematographer, Prieto explicó que Scorsese había optado, para este filme ,por un lenguaje visual muy simple, aunque elocuente.

La subjetividad es una de las columnas visuales durante la película. La cámara está, en casi todo momento, acompañando a los dos jóvenes sacerdotes o mostrando lo que ocurre desde su perspectiva.De esa manera, la necesidad de ocultamiento o la poca certeza que los personajes tienen a lo largo de la trama, le es transmitida al espectador directamente. 

La iluminación es un factor que tampoco pasa desapercibido. Con guiños claros al arte barroco, Prieto consigue crear escenas que parecieran sacadas de la paleta de Diego Velázquez, José de Ribera o Francisco Zurbarán. Aunque hacia el final, un cambio ocurre: la película adquiere un tono dorado cercano al que está presente en las pantallas del período Edo japonés.

A esto también contribuye el hecho de que la película se haya rodado en cinta. Según Prieto, el negativo de la película tiene una profundidad del color que aún no ah sido alcanzada por las cámaras digitales.

Y precisamente esa era la idea de Scrosese: transmitir al espectador un ambiente asfixiante, donde el calor, los olores, las percepciones táctiles pudieran ser percibidas. Por esa razón, la óptica elegida para filmación fue la  ArriMaster Anamorphic.

Según explica Prieto en la entrevista, esta selección se debió a que tiene mucha menos distorsión de la lente y que, incluso, los bordes del cuadro llegan a ser muy agudos y enfocados, lo que da una mirada más dura, menos "mágica" a la cinta.  

Si no has visto todavía Silence, te dejamos el trailer oficial:

El cine según Kubrick

Corría 1963. El director estadounidense Stanley Kubrick se encontraba inmerso en la producción de su película Dr. Strangelove. Fue entonces cuando la revista americana especializada Cinema (que empezó a circular un año antes) publicó una lista de las 10 películas favoritas del autor.

Tratándose de la mirada crítica de uno de los más importantes cineastas de la historia, no es improbable que las diez cintas escogidas figuren entre las más influyentes del séptimo arte.

1. Los inútiles (I vitelloni. Federico Fellini, 1953)

2. Fresas salvajes (Smultronstället. Ingmar Bergman, 1957)

 

3. Ciudadano Kane (Citizen Kane. Orson Welles, 1941)

 

4. El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre. John Huston, 1948)

 

5. Luces de ciudad (City Lights. Charles Chaplin, 1931)

 

6. Enrique V (Henry V. Laurence Olivier, 1944)

 

7. La noche (La notte. Michelangelo Antonioni, 1961)

 

8. The Bank Dick (Edward F. Cline, 1940)

 

9. Roxie Hart (William A. Wellman, 1942)

 

10. Los ángeles del infierno (Hell’s Angels. Howard Hughes, 1930)

Sin embargo, y aunque ninguna de sus cintas aparece en la lista, el alemán Max Ophuls había sido mencionado por Kubrick, seis años antes, como el mejor cineasta. En una entrevista para Cahiers du cinéma, el artista explicó:

Lo que más valoro de Max Ophuls es que para mí poseía todas las cualidades posibles. Tenía un talento excepcional para olfatear buenos temas y sacó el máximo provecho de ellos. Además era un maravilloso director de actores.

Otro de los ausentes en esa lista es Elia Kazan, de quien el director de La naranja mecánica dijo: "es el mejor director que tenemos en América. Es capaz de conseguir milagros con los actores que utiliza".

¿Tú qué opinas de la elección del cineasta? ¿Crees que faltan nombres en la selección?

Guía mínima del uso del color en el cine

Uno de los aspectos más importantes en el cine es el uso del color. Este es capaz de transmitir sensaciones, describir ambientes y personajes, marcar el tono psicológico de la historia, además de marcar la belleza que puedan tener algunas escenas y el poder para influir sobre la trama de la película.

Es por eso que los directores de arte y los equipos de diseño de producción trabajan arduamente en establecer una paleta de color que permita comunicar todos los aspectos que guionistas y directores han planificado.

Un recurso por demás útil, no solo para los principiantes, sino para todos los profesionales de la producción audiovisual, es la rueda de color o círculo cromático. 

Se trata de una herramienta estándar donde se distribuyen los diferentes colores que conforman el segmento de la luz visible del espectro solar, descubierto por Isaac Newton, manteniendo un orden correlativo. Así, el disco ideado por el físico inglés se componía de: rojo, naranja, amarillo, verde, cian, azul y violeta.

Reproducción del disco de Newton. 

Sin embargo, el círculo cromático más común es el utilizado por artistas pictóricos, que está constituido por 12 colores, basados en el rojo, amarillo y azul como primarios. Estos, al combinarse con los secundarios —anaranjado, verde y púrpura— forman otros seis colores, llamados terciarios: rojo anaranjado, ámbar, lima o chartreuse, azul turquesa, violeta y grana.

Esquemas básicos de color:

Complementario: este esquema se basa en la combinación de colores opuestos en el círculo cromático, como el púrpura y el amarillo, o el verde y el rojo. Lo recomendable es que los colores no aparezcan en la misma proporción, sino que uno de ellos predomine.

En este tipo de esquemas, es usual que se utilice un color cálido y uno frío, por su posición en el círculo cromático.

En este fotograma de La casa de las dagas voladoras (2004), del director Zhang Yimou, se puede ver claramente el contraste entre los tonos verdes y azules, predominantes en la escena, con los tonos rojos y anaranjados del fondo.

Análogo: este esquema utiliza colores adyacentes en el círculo cromático. Por ejemplo, podemos emplear el azul junto con el violeta y el turquesa. 

Este tipo de combinaciones ayudan a generar la sensación de naturalidad y armonía en las escenas y les dan un menor impacto visual que, por ejemplo, en las que se usa un esquema de complementarios.

Los colores usados en este fotograma de Enter the void (2009) del director Gaspar Noé, permiten notar claramente el uso de homólogos dentro del círculo cromático, desde tonos rojos hasta amarillos, pasando por naranjas. 

Combinado o complementario-dividido: es similar al esquema de complementarios, sin embargo, uno de los colores no se combina con su complementario directo sino con los análogos de este último. Por ejemplo, el verde con el rojo anaranjado y el grana.

En el fotograma de Eastern promises (2007) de David Cronenberg se puede observar el contraste entre los tonos cianes y verdosos con la sangre.

Monocromático o de familia de colores: este tipo de esquema utiliza una misma familia de color en distintas intensidades para una determinada escena.

Sin bien es complejo eliminar otros colores dentro de la composición, se toma este concepto por la predominancia que pueda haber de un color dentro de la escena.

El sabor de las cerezas (1997), del director Abbas Kiarostami, nos muestra este fotograma donde hay una predominancia de amarillo.

Triádico: en este tipo de combinaciones se usan tres colores equidistantes entre sí dentro del círculo cromático. Por ejemplo, el púrpura, el anaranjado y el verde. 

Esto permite que uno de los colores actúe como dominante, en tanto que los otros dos lo hacen en forma complementaria.

Un ejemplo de esto lo encontramos en este fotograma de la cinta Punch-Drunk Love (2002), dirigida por Paul Thomas Anderson, donde claramente se distinguen tonos rojos, amarillos y azules.

Tetrádico: se trata de una combinación de cuatro colores, donde dos de ellos se acercan entre sí, en contraposición a otros dos, que están al otro lado del círculo cromático, también cercanos entre sí.

El objetivo de este esquema es lograr una armonía muy fuerte, para crear la sensación de que se trata de una película mucho más viva.

Este fotograma de Irma la douce (1963), del director Billy Wilder, muestra claramente cómo funciona este esquema.

Todas los fotogramas con sus paletas de color fueron tomados de la página www.moviesincolor.com